SONARTE
(Introducción instrumental)
MARIANA REYES: Hoy exploramos el arte del sonido y el sonido como arte desde la perspectiva de una vocalista experimental, un músico clásico, dos poetas y una artista visual.
(Música)
Yvette Román (YR): Mi nombre es Yvette Román y soy vocalista experimental. La vocalista experimental lo que hace es que usa su voz como instrumento musical de una manera poco usual. En inglés se le llama extended voice porque se utilizan sonidos que están mas allá de lo que usualmente es el sonido vocal. O sea, mas allá de la palabra, mas allá de cantar y se utilizan sonidos que recuerdan la niñez a veces y a veces podrían imitar otros sonidos del medio ambiente o sonidos que salen de manera espontanea sin mucho pensamiento, pero que podría estar conectado directamente con el subconsciente en algunas ocasiones o con las emociones.
(Sonidos)
Desde el comienzo a los años 90 yo comencé con el trabajo que le llamé Las Voces de Maleficio que fue un conjunto de doce composiciones sonoras tipo concierto con cinco instrumentos musicales tipo cámara, el concepto de cámara; y en aquel momento fue ubicado dentro de el concepto de performance art porque ese era el movimiento que estaba surgiendo en ese momento. Asi que fue catalogado como parte de el movimiento de performers de los años 90 en Puerto Rico.
Y esa oportunidad me conectó con otros lugares, con otros países en festivales internacionales, con otros grupos similares que también utilizaban la improvisación sonora, por ejemplo en México que existía la Bienal de Poesía visual y en Italia que era la Poli Poesía y también existían festivales de arte sonoro como en el Festival de La Batie en Ginebra y eso poco a poco en mi fue conectando con una comunidad que en aquel momento como era muy joven no sabía que existía y poco a poco se fue desarrollando hasta lo que estoy haciendo ahora que es la cooperación con la organización Nameless Sound en Houston que es una organización que tiene dos vertientes.
Una es la utilización de la improvisación sonora como espacio creativo para niños que están refugiados porque en Houston hay muchos refugiados, y eso es una situación muy dolorosa y esto le está dando a los niños una oportunidad de expresión. Y tiene la otra vertiente que es la vertiente artística que son los conciertos. Y así poco a poco he estado conectada con otros grupos de diferentes lugares y de Puerto Rico, por supuesto.
(Sonidos)
Bueno, en los comienzos de mis trabajos en los '90 mi preocupación era mas que nada expresión sonora que fuera mas allá de los discursos de aquel momento, etcétera, de las tendencias, pero que al mismo tiempo me conectara con una comunidad que estaba buscando alternativas en Puerto Rico, alternativas dentro del arte y alternativas general en todos los sentidos.
Y yo creo que en aquel momento yo siempre pensaba que mi historia era la historia de todas las mujeres de Puerto Rico, verdad, o la historia del Caribe. Solamente con expresarme de manera honesta o valiente, como la juventud era lo que salía en aquel momento. Esa era mi preocupación, ser honesta, ser franca y en ese momento yo decía, bueno, esta honestidad representa a otras mujeres que están en la misma situación en que yo estoy.
Los sonidos salían de situaciones de inconformidad, de coraje, de otras emociones, de búsqueda, de un mundo alternativo, una construcción de otro Caribe mucho mas libre del que me tocó vivir, y como mujer también. En el espacio sonoro yo sentía la libertad que no sentía en mi vida diaria.
(Música)
Al principio yo tenía una necesidad de hacer mis composiciones sonoras y musicalizarlas, hacer una especie de concierto todavía un poco tradicional pero a lo largo de los años yo siento mucho mas satisfacción trabajando en grupo con el... yo quisiera, quisiera seguir desarrollando la Sociedad Sonora del Amor, que fue un grupo de personas que trabajaron conmigo la experimentación sonora de una manera libre sin ningún tipo de jerarquía, aportando de manera democrática, si se puede decir asi, su exploración vocal. Y también el trabajo que he hecho en Houston con los niños también me ha llenado mucho, asi que hay una parte de mi que necesita hacer trabajos creativos solamente por el proceso creativo. Eso es muy importante para cualquier artista, verdad, esa libertad creativa; y hay otra parte de mi que está ligada a una intención, podría decirse como activista, humanitaria, no se como catalogarla, o comunitaria mas bien. Yo creo que la palabra debe de ser comunitaria. Que... porque veo como la exploración vocal ayuda tanto a darle poder a otras personas, apoderar a personas.
(Música)
José Daniel De Jesús Carrasquillo (JDJ): Soy Jesús Daniel Carrasquillo. Soy músico de la Orquesta Sinfónica, con mucha honra y orgullo. Soy violonchelista de la misma orquesta. Pertenezco a ella aproximadamente hace veintisiete años, lo cual me sorprende porque me considero todavía muy joven.
El cello es un instrumento musicalmente hablando muy versátil porque tiene una gran capacidad de registro que podría abarcar desde registro bien graves muy similares y hasta un poco mas grave que la voz humana y hasta también alcanzar unos registros agudos como los que utiliza una voz de una soprano, digamos, una soprano. Y entonces entre todo eso gran gama de... y posibilidades, pues se distingue por además tener una calidad, una calidez podríamos decir, que lo hace muy interesante y a gusto a la gente cuando lo escucha.
La Orquesta Sinfónica realmente es un solo instrumento, pero comprende a su vez cuatro familias que son esenciales. Voy a comenzar por digamos por lo que lo hace una orquesta sinfónica que es la gran familia de las cuerdas.
(Música)
Luego le sigue la familia de los vientos madera.
(Música)
Luego la familia de los vientos metales.
(Música)
Y finalmente, la familia de la percusión.
(Música)
Si en efecto se encontrara la familia de los vientos madera, la familia de los vientos metales y la percusión, se podría nombrar como a una orques... o mejor dicho una banda, una banda sinfónica. O sea, que el elemento que lo hace orquesta sinfónica es la familia de las cuerdas que ya tendríamos que tener tiempo para hablar acerca de porque es que la cuerda como tal es la que origina el asunto mencionado como orquesta. Desde los tiempos del barroco todo comienza con una orquesta de cuerdas.
La orquesta de cuerdas es la que da inicio a... o los instrumentos de cuerda cuando se combinan todos ellos son los que dan inicio a lo que entendemos como una orquesta. Luego todo es una evolución. Luego se van integrando otros instrumentos que se fueron desarrollando a medida que iba pasando el tiempo y que los compositores iban exigiendo nuevos elementos sonoros para incorporarlos dentro de la orquesta. Por ejemplo, podríamos decir que en una orquesta de Beethoven no te vas a encontrar en saxofón porque todavía no estaba inventado el saxofón. No tengo duda que si Beethoven hubiera tenido como un color mas dentro de su paleta de sonido un saxofón lo hubiera integrado.
(Música)
Alexandra Pagán (AP): Pues yo soy Alexandra Pagán. Soy escritora pero también soy profesora de la UPR y de la UMET de Cupey. ¿A qué suena mi poesía? Bueno, yo creo que suena a la respiración. Yo me he quedado bien pendiente de cuando escribo hay algo bien emocional porque si lo que estoy escribiendo es humorístico o satírico va mas rápido porque tal vez es mas casual, pero cuando es algo mas serio, mas profundo, como lo estoy pensando al tiempo que lo escribo, yo creo que va mas lento y las respiraciones deciden los versos y las pausas y hay veces que, pues, los encadenamientos a veces tienen que ver con un juego y con un deseo de enfatizar y de puntualizar algo, por ser redundante.
Pero básicamente suena a la respiración, a mi respiración y soy asmática. Soy asmática, asi que mi respiración tal vez no es muy... no es muy común en muchos sentidos. Pero sí, suena mi respiración a cuando me detengo a pensar las cosas, a cuando quiero tomar aire porque estoy sintiendo algo o cuando estoy suspirando porque es un alivio.
Cuando yo era niña yo me concentraba y me quedaba encerrada en el cuarto. Por suerte no tenía juegos electrónicos. Y entonces me quedaba bien pegada como que pensando, pensando, bien concentrada hasta que lograba escuchar los propios latidos de mi corazón; y eso fue algo que con el tiempo perdí. Yo creo que es que uno pierde audición también. Y me acuerdo que disfrutaba de acostarme en la barriga de mi papá.
Me acuerdo que me acostaba en la barriga de mi papá y le ponía el oído a la barriga porque me parecía fascinante escuchar los sonidos de las tripas y de todas las viseras, que ahora yo pensando es como medio grotesco, pero me parecía como super loco que hubiera tantos sonidos dentro del cuerpo. Asi que yo creo que si, que es algo bien visceral y que en ese sentido pues el ahogo, el alivio, todos esos sonidos que uno emite respirando y que manen de ese adentro, de ese buscar aire pues si. Yo diría que es visceral, que es de adentro de cuerpo y no de afuera.
Pues voy a leer un poema. Es bien breve. Se llama Hasta lo diminutivo.
Mi corazón es de plástico.
Se va rompiendo en pedacitos,
hasta que es invisible al ojo humano, entonces se confunde con EROR Plankton y envenena los océanos.
Joudy Santalíz (JS): Mi nombre es Joudy Santalíz. Soy educador y artista sonoro. Bueno, es bastante amplio para mi lo que es el arte sonoro ya que vengo de la música, de lo que es la música tradicional, y pues para mi arte sonoro es todo aquello que quieren... que no cae dentro de lo que es música y pues lo encajonan en ese termino de arte sonoro y son distintas prácticas de distintos... pueden utilizar distintos medios para crear sonido. El sonido es el objeto principal para crear la pieza.
Yo comencé utilizando el saxofón que era mi instrumento, pues, un instrumento melódico y tradicional. Entonces comenzó reparando instrumento y me interesó lo que era, como se producía el instrumento, verdad, el sonido que era lo que hacía que se produjera el sonido y de ahí fui explorando distintos objetos sonoros, por decir así, como objetos cotidianos como botellas, los resortes, los 'spring', y para un taller que tenía con Ana Colbert que era de movimiento, imagen y sonido pues me sentía limitado con el saxofón y pues cree un objeto sonoro o instrumento sonoro que lo que hice fue que le puse distintos 'sprint' para hacer los sonidos graves y que sea constante y pues básicamente lo que yo hago es explorar distintos objetos que pueda utilizar para construir uno.
Por lo menos yo comencé en la bóveda que lo tenía Sandy, que Sandy lleva tiempo con lo que es el arte sonoro. Se da también en el local y pues básicamente cuando yo lo hago también es colaborando con otros artistas que quieren incluir lo que es sonido porque no me limito a explorar solamente el sonido, sino pues que sea ya con imagen, movimiento, dependiendo, no. Estábamos trabajando... trabajamos con lo que era la comunidad de Alto del Cabro y yo quería trabajar con una imagen.... una imagen, verdad, del barrio pero que se enfocara mas en un espacio que le llamara la atención en cuestión del sonido, y lo que ellos hicieron fue que pues le dije... la idea... enfóquense en el sonido. Vamos a ir caminando por Alto del Cabro, por la comunidad, y yo quiero que ustedes escuchen. Escuchen lo que está... la esencia de ese espacio, verdad, sonora, la esencia sonora, la identidad de ese espacio.
Y pues entonces lo que hicimos fue que ellos escogieron el espacio que les gustaba, como sonaba, y recogieron una imagen de ese lugar donde estaban y luego lo que hicimos fue que trabajaron la onda, verdad, la frecuencia. La trabajamos en un programa de sonido y pues lo que hicieron fue que creamos un foto montaje de ese espacio y la onda sonora.
Talleres, en los talleres que doy o que damos en el programa Enlace, verdad, museo escuela lo que hacemos es que damos talleres de construir los instrumentos. Ellos construyen instrumentos. También lo que hacemos es que le ... hay otros artistas que trabajan el sonido, el arte sonoro pero lo trabajan con el movimiento o con poesía, que eso es algo que está trabajando ahora Chanti. Si hay un taller o u artista, se me acerca y me dice, "Mira, yo tengo este proyecto y quiero estos sonidos," básicamente o, "Voy a trabajar este tema," y yo pues voy explorando distintos sonidos, voy investigado, algunas veces bajo ya... descargo sonidos que están en el internet o simplemente voy recogiendo sonidos por el ambiente, si van a hacer con el ambiente.
Y pues, trato de jugar, buscar lo mas parecido que hay en cuestión de un objeto y ese espacio y pues voy creando este instrumento que lo puedo trabajar con distintos pedales y asi no me limita solamente a el sonido del objeto, sino que puede explorar otras sonoridades de ese mismo objeto.
(Música)
Mónica Lladó (ML): Mi nombre es Mónica, Mónica Llado. Soy profesora y escritora y nada, en respuesta a la pregunta sobre el sonido y la poesía, esa conexión pues me parece que siempre desde el inicio de la poesía ha estado el sonido, verdad, porque el sonido es palabra y la poesía es canción, asi que hay como una conexión siempre entre la poesía y la canción. De hecho en el origen mismo de la poesía y la literatura siempre fue canción. Asi que creo que no hay forma de desligar la poesía del sonido. Por lo menos en mi experiencia con la poesía y la escritura es siempre hay como una imagen sonora cuando la voy escribiendo que ya me imagino cómo sonará, verdad, por lo menos yo. ¿Cómo yo la haré sonar? A lo mejor otra persona la lee y la hace sonar de otro modo. Le pone el acento en otro lugar, pero definitivamente después de escribir un poema. Me gusta leerlo en voz alta, como que lo necesito, una forma de como repasarlo y ver donde está, no se, donde está el feeling, por decirlo de una manera, o sea, sentirlo a través del sonido, a través de hablarlo o declamarlo, como quiera, verdad, decirle.
Me encantaría tener una buena voz de cantante pero no la tengo. No la tengo. Por mas que me encanta y sí, y canto en la ducha y las canciones y me encanta la música. No puedo vivir sin ella pero como poeta y cuando leo mis poemas y los comparto con el mundo, sí, hay una voz, otra, que siento que sí que soy yo. Sigue siendo yo pero sí, hay una proyección, hay una, no se, una forma de vivir el poema sonoramente.
En mucha de mi poesía el Puerto Rico que es buena tiene que ver con un poco de ira a veces, verdad, cuando escribo cierto poema relacionado directamente a Puerto Rico. Pero hay otros poemas que son bien internos y tienen un ritmo otro, como un ritmo mas, una pulsación con, no se, no quiero decirlo universal. Suena como medio cursi, pero es como con algo que trasciende la nación, o sea, que va mas allá y es mas con la humanidad, ese tipo de asunto de la vivencia.
(Sonidos)
Carola Cintrón Moscoso (CC): Hola. Mi nombre es Carola Cintrón Moscoso. Soy artista plástica y trabajo el sonido como parte de los múltiples medios que... (sonidos) Mi... yo creo que mi pasión o mi interés por el sonido surge de una exhibición que yo hice hace muchos, muchos años, a finales de los '90, en un espacio que se llamaba La Pregunta en El Viejo San Juan y en esa exhibición habían unas piezas que eran de cristal y de neón y uno tenía que subir una escalera y entonces los cristales tenían unas transferencias de texto y cuando yo instalé la pieza me quedé pensando que a esa pieza le hacía falta algo, y para mi lo que le hacía falta era sonido.
Y en ese momento me pareció, no se, llegar a esa conclusión de que lo que le falta es sonido pero, ¿cómo yo trabajo el sonido? porqué no lo pienso desde la plástica en ese momento, no. Mi background es en Comunicación Pública y Diseño y es una de esas cosas que yo estudié porque no sabía que mas estudiar porque pensaba que para ser artista había que dibujar y pues yo nunca he creído que yo puedo dibujar de la forma en que yo aspiraría dibujar, no, y... o el tipo de dibujos que a mi me gusta y me atraen y me llaman la atención y dialogan conmigo.
Asi que yo pues estudié diseño y publicidad y siempre con la inquietud de querer hacer arte. Una vez me gradúo porque nunca lograba acceso a las clases de fotografía en la UPI, siempre estaban llenas, pues empiezo a trabajar en publicidad un año y decido que definitivamente eso no es lo que a mi me interesa hacer y regreso a la universidad a estudiar Estudios Interdisciplinarios, realmente estudiar traducción en francés.
Cogí la primera clase y decidí que esa era la cosa mas aburrida del mundo y que yo no iba a poder hacer eso, asi que me cambié y me metí en fotografía porque acababa de salir Estudios Interdisciplinarios en fotografía en ese momento; y finalmente a través de ese espacio pude coger las clases de fotografía en Bellas Artes.
Empecé en Comunicaciones y de ahí me moví a Bellas Artes y como parte de las clases de fotografía el pre-requisito era pasar por todas las clases de dibujo, de escultura, de fotografía para poder llegar a eso. Asi que por suerte tuve que pasar por todo eso y entonces empecé a trabajar con la fotografía pero realmente como la bidimensionalidad de la fotografía todavía no era lo que realmente... me encantaba la fotografía y siempre la había trabajado y mi papá, tu sabes, era fotógrafo también. Asi que eso estaba ahí presente, pero como que había esta búsqueda demás y a través de la instalación y de trabajo de artista feminista y como que toda esa referencias que empecé a conocer a través del arte, pues me fui moviendo mas hacia la escultura, a la instalación y yo creo que de ahí fue que empezó a surgir esa necesidad de, okay, aquí falta algo mas. Y por ahí fue lo del sonido.
Y básicamente el deseo de incorporar sonido en mi trabajo fue... yo soy bastante autodidacta. Es como que yo decido que quiero trabajar video juegos, pues voy a aprender como hacer un video juego. Yo decido que quiero hacer sonido. Voy a aprender como hacer sonido. Y básicamente así ha sido. Es como que ahora quiero trabajar con virtual reality, augmented reality, pues estoy trabajando y colaborando y dando talleres de virtual reality y aprendiendo. O sea, que es básicamente es como, ¿qué me llama mi trabajo? ¿hacia donde va? ¿cuál es el medio que necesito trabajar? y por ahí voy buscando como hacerlo. Es como que yo lo tengo que producir, lo tengo que hacer y tengo que conocer como hacerlo.
Yo creo que yo partí un poco quizás al principio desde cuando uno empieza a trabajar con sonido y me pasa dando clases también en la escuela, como realmente partimos de lo visual. O sea, vemos y le damos énfasis total a ver y a lo que vemos y reforzamos eso. Asi que siempre yo creo que cuando uno se acerca al sonido siempre empieza desde lo visual, desde este sonido representa tal cosa, este sonido de boca tal cosa y es super interesante porque siempre estoy con mis estudiantes como que, no piensen, siempre tu le pones las piezas de sonido y es, "Ay, aquí pasó esto," y te crean toda esta historia de ciencia ficción o lo que sea y yo, "No es acerca de contar una historia," pero es bien difícil y yo empecé por ahí, no. Cuando yo empecé mi maestría empecé a trabajar con sonido. Uno parte desde lo que uno conoce. Y entonces empiezas a imaginarte esa edición de sonido porque mi background no es en música. Empiezas a imaginarte esa edición de sonido casi como una historia. Pues este sonido va primero y luego te lleva al otro, y luego te lleva al otro y entra este y sale este y tiene una historia que va contando.
Con el tiempo cada vez me he ido alejando mas de esa narrativa del sonido y dándole mas énfasis al sonido como materia, que para mi es donde yo creo que radica ese interés en lo que es el arte sonoro para mi. Es el énfasis en que... es la búsqueda, no, y el estar super atento al sonido como materia. ¿Qué implica a nivel de la micro, micro partícula del sonido? ¿Cómo tu la fragmentas, este sonido hasta que se construye en otra cosa? Porque entras a lo mas pequeño de ese fragmento del sonido o a la frecuencia que puede ser una sola frecuencia que se repite y se repite y se repite y ahí es donde está para mi el interés. Es como que irme alejando cada vez mas de lo narrativo y mantenerme, acercarme mucho mas al sonido como materia.
El goce estético yo creo que está mas desde la experiencia y yo creo que eso tiene que ver mas porque mis piezas con participativas, la mayoría de ellas, no, y son instalaciones. Asi que no es sentarte a escuchar con unos audífonos una pieza, sino como el espacio completo puede producir una experiencia, y realmente igual que los olores para mi el sonido tiene una fuerza muy importante en evocar otros sentidos y en provocar recuerdos y memorias y hacer sentir.
La realidad es que el sonido son frecuencias que viajan y afectan nuestro cuerpo físicamente y yo siempre digo que el sonido tu lo puedes usar para el bien o para el mal. Tu puedes hacer almas sónicas como también puedes producir sonido placentero y que te evoque felicidad y alegría, pero puedes producir almas sónicas que te hacen vomitar y marearte y desmayarte. Asi que en ese sentido para mi mas que... no es una estética visual necesariamente pero sí hay un elemento de provocar una sensación y como tú te sientes en ese espacio.
Itinerarios Sonoros es una producción de la Calle Loiza, Inc. y Radio San Juan con el auspicio de la Fundación Puertorriqueña de las Humanidades. Producido y dirigido por Lydia Platón Lázaro y Mariana Reyes con la colaboración de Priyaa Parrotta, Nalini Natarajan y Juan Otero Garabís. La dirección técnica estuvo a cargo de Ezequiel Rodriguez Andino, Ambar Suarez Cubillé y Julio Albino.
THE ART OF SOUND & SOUND AS ART
(Instrumental introduction)
Lydia Platón (LP): Today we’ll explore the art of sound and sound as art from the perspective of an experimental vocalist, a classical musician, two poets and a visual artist.
(Music)
Yvette Roman (YR): My name is Yvette Roman and I’m an experimental vocalist. An experimental vocalist uses their voice as a musical instrument in an unusual way. In English it’s called extended voice because we use sounds that go beyond what vocal sound usually is. So, going beyond words, beyond singing, we use sounds that sometimes recall childhood and sometimes we might imitate other sounds from our surroundings or sounds that arise spontaneously without much thought, but that could sometimes be directly connected to the subconscious or with emotions.
(Sounds)
In the early ‘90s I started working with what I named Las Voces de Maleficio which was a group of 12 concerto-type sound compositions with five chamber instruments, a chamber concept; and at that time it was situated within the concept of performance art because that was the emergent movement back then. So it was categorized as part of the performers movement of the 90s in Puerto Rico.
And that opportunity connected me to other places, to other countries at international festivals, to other similar groups that also used sound improvisation; for example in Mexico there was the Bienal de Poesía Visual and in Italy, Poli Poesía and there were also sound art festivals like the Festival de La Batie in Geneva and little by little, they connected me with a community that at that time was very I was very young and I didn’t know existed and little in little by little it developed into what I’m doing now which is cooperation with the organization Nameless Sound in Houston which is an organization with two focal points.
One is the use of sound improvisation as a creative space for children in shelters because in Houston there are many refugees, and this is a very painful situation, and this is giving the children an opportunity to express themselves. And there’s the other focal point which is the artistic focus, which is concerts. So little by little I’ve been connecting with other groups from different places and from Puerto Rico, of course.
(Sounds)
Well, when I started my work in the 90s my concern was more than anything else sound expression that would go beyond the discourse at that time, etc., trends, but at the same time would connect me with a community that was looking for alternatives in Puerto Rico, alternatives within art and alternatives in general, in every respect.
And I think at that time I always thought my history was the history of all women in Puerto Rico, you know, the history of the Caribbean. By just expressing myself honestly or bravely, as youth back then were doing. That was my concern: to be honest, to be frank and back then I used to say, well, this honesty represents other women in the same situation as I am.
The sounds came from a place of discontent, anger, other emotions, a search, an alternative world, a construct of another Caribbean much freer than the one I happened to live in, and as a woman also. In that sound space I felt the freedom I didn’t feel in my daily life.
(Music)
At first I felt the need to make my sound compositions and put them to music, to make a sort of concert that was still somewhat traditional, but over the years I derived much more satisfaction working in groups with the… I’d like, I’d like to continue developing Sociedad Sonora del Amor, which was a group of people who worked with me on sound experimentation with no hierarchy at all, contributing their vocal exploration democratically, to put it that way. And the work I’ve done in Houston with children has also been very fulfilling for me, so there’s a part of me that needs to do creative work just for the sake of the creative process. That’s very important to any artist, you know, that creative freedom; and there’s another part of me that’s tied to an intention, I guess you could say as an activist, humanitarian, I don’t know how to categorize it, or actually, community oriented. I think the term should be communitarian. Because I see how vocal exploration really helps to give other people power, to empower people.
(Music)
José Daniel De Jesús Carrasquillo (JDJ): I’m Jesús Daniel Carrasquillo. I’m a musician with the Orquesta Sinfónica [Symphony Orchestra], and very proud of that. I’m a cellist with the same orchestra. I’ve been a part of it for approximately 27 years, which surprises me because I still consider myself to be very young.
Musically speaking, the cello is a very versatile instrument because it has a huge range which can range from a low register quite similar and even a little lower than the human voice, and it can also reach very high registers such as those used by a soprano voice, let’s say, a soprano. So that entire range of… possibilities, well it’s also distinguished for having a quality, we could say a warmth, which makes it very interesting, and people like it when they hear it.
The Symphony Orchestra is really a single instrument, but it in turn encompasses four essential families. I’ll start with, let’s say, with what makes a symphony orchestra, which is the great family of strings.
(Music)
Followed by that is the woodwind family.
(Music)
After that, the brass instrument family.
(Music)
And finally, the percussion family.
(Music)
If in fact we find the woodwind family, the brass instrument family and percussion, that could be called an orchestra… or better said, a band - a symphonic band. So, the element that makes a Symphony Orchestra is the strings , and we’d need time to talk about why it is that strings as such are the origin of the of what we call an orchestra. Ever since the period of the Baroque, everything starts with a string orchestra.
The string orchestra is what initiated… or stringed instruments, when combined, gave rise to what we understand as an orchestra. After that, everything is an evolution. Other instruments were later integrated that developed over time and composers started asking for new sound elements to incorporate into the orchestra. For example, we could say that you won’t find a saxophone in an orchestra by Beethoven, because the saxophone hadn’t been invented. I have no doubt that if Beethoven had had it as another color within his sound palette, he would’ve integrated it.
(Music)
Alexandra Pagán (AP): Hi, I’m Alexandra Pagán. I’m a writer, but I’m also a professor at the UPR and the UMET in Cupey. What does my poetry sound like? Well, I think it sounds like breathing. I’ve been very careful to make sure that when I write there’s something very emotional there because if what I’m writing is humorous or satirical it goes faster because perhaps it’s more casual, but when it something more serious, more profound, the way I’m thinking when I’m writing it down, I think it goes slower and my breathing decide the verses and the pauses and sometimes, well, the linkages sometimes pertain to a game and to a desire to emphasize and punctuate something, to be redundant.
But basically it sounds like breathing, like my breathing, and I’m asthmatic. I’m asthmatic, so everything perhaps not very… It’s not very common in many respects. But yes, my breathing makes sounds when I stop to think through things, or I want to take a breath because I’m feeling something or when I’m sighing because I’m relieved.
When I was a girl I would concentrate and stay in my room. Luckily I didn’t have any video games. And then I would just keep concentrating and think - really concentrate - until I could hear my own heartbeat, and that’s something I’ve lost over time. I think people lose some hearing also. And I remember I enjoyed laying down on my dad’s belly.
I remember I would lay on my dad’s belly and put my ear against his belly because to me it was fascinating to hear the sounds coming from all the guts and intestines. Now that I think about it, it’s kind of grotesque, but to me it was crazy that there were so many sounds coming from inside the body. So I think that, yes, it’s something quite visceral and in that sense, the deep breath, release, all the sounds one makes while breathing that emanate from within, in the search for air. I’d say it’s visceral, it’s from within the body and not from outside it.
I’m going to read a poem. It’s very short. It’s called Hasta lo diminutivo.
Mi corazón es de plástico.
Se va rompiendo en pedacitos,
hasta que es invisible al ojo humano, entonces se confunde con EROR Plankton y envenena los océanos.
Joudy Santaliz (JS): My name is Joudy Santaliz. I’m an educator and sound artist. Well, in my opinion sound art is very broad because I come from music, from traditional music, and for me sound art is everything they want… that doesn’t fall within what’s considered music and so they box it into that term - sound art - and they’re different practices of different… They can use different media to create sounds. Sound is the primary object for creating the piece.
I started out using the saxophone, which was my instrument, a melodic and traditional instrument. Then I started preparing instruments and I grew interested in what it was, how the instrument was produced, you know, the sound it made, how the sound was produced and from there I went on to explore different sound objects, to put it that way, such as everyday objects like bottles, springs, and for a workshop I had with Anna Colbert which was on movement, image and sound, I felt limited by the saxophone and so I created a sound object or sound instrument where what I did was to use different springs to make the low sounds and to make it constant and basically what I do is to explore different objects that I can use to build one.
At least I started out in the vault that Sandy had, Sandy has been in sound art for a long time. It also takes place there and well basically when I do it it’s also collaborating with other artists who want to include sound because I don’t limit myself to exploring just sound; it could be with images, movement, it depends, you know. We’re working on… We were working with the Alto del Cabro community and I wanted to work with an image… an image, you know, of the neighborhood but to focus more on a space that would call one’s attention to the question of sound, and what they did was, well I told them… The idea… Focus on the sound. We’re going to walk around Alto del Cabro, around the community, and I want you to listen. Listen to what’s… The essence of the space, you know, sound, the sound essence, the identity of that space.
And then we did was, they chose a space they liked, how it sounded, and they would form an image of the place where they were and later what we did was to work on the wave, you know, the frequency. We worked on it in a sound program and we created a photomontage of that space and the sound wave.
Workshops, in the workshops I give or that we give in the Enlace program, you know, in school what we do is, we give workshops on building the instruments. They build instruments. What we also do is… There are other artists who work with sound, sound art but they work on it with movement or with poetry, that’s something Chanti is working on now. If there’s a workshop or if an artist approaches me and says, “Look, I have this project and I want these sounds,” basically, or, “I’m going to work with this subject,” then I’ll explore different sounds, I do my research, sometimes under… I download sounds from the Internet or I just collect sounds from the environment, if they’re going to do it with the environment.
And so, I try to play, to look for the closest thing in terms of an object and to that space and then I create that instrument I can play with different pedals and that way I’m not limited to only the sound of the object, but I can explore other sounds from that same object.
(Music)
Monica Llado (ML): My name is Monica, Monica Llado. I’m a professor and writer and, well in response to your question regarding sound and poetry, that connection, well it seems to me that from the very beginning of poetry, sound has been there, right, because sound is word and poetry is song, so there’s always a sort of connection between poetry and song. In fact the very origin of poetry and literature was always song. So I think there’s no way to separate poetry from sound. At least in my experience, with poetry and writing there’s always a sound image when I write it and I imagine how it’ll sound, you know, at least I do. How will I make it sound? Maybe someone else will read it and make it sound another way. They’ll put the accent somewhere else, but definitely after writing a poem. I like to read it out loud, it’s like I need that, a way to review it and see where it is, I don’t know, but it’s the feeling, so to speak, or, to feel it through sound, through saying it or reciting it, however you want to put it.
I’d love to have a good singing voice but I don’t. I don’t. As much as I love it and yes, I do sing in the shower and I love music. I can’t live without it but as a poet and when I read my poetry and I share with the world, yes, there’s a voice, another voice that I feel is really myself. It’s still me but there’s a projection, there’s, I don’t know, a way of experiencing the poem through sound.
In much of my poetry the Puerto Rico that is good has to do with a little bit of ire sometimes, you know, when I write a certain poem directly related to Puerto Rico. But there are other poems that are very internal and they have another rhythm, like a rhythm more, a pulsation with, I don’t know, I don’t want to call it universal. It sounds a little tacky, but it’s sort of something that transcends the nation, or, it’s beyond that and it’s more about humanity, that kind of subject about living.
(Sounds)
Carola Cintrón Moscoso (CC): Hi. My name is Carola Cintrón Moscoso. I’m a visual artist and I work with sound as part of the multiple media that… (Sounds) My… I think my passion or my interest in sound came from an exhibit I did many, many years ago, at the end of the 90s, in a space called La Pregunta in Old San Juan. At that exhibit there were pieces that were made of glass and neon and you had to go up a stairway and the glass had some text transfers and when I installed the piece I thought there was something missing from it - I think it needed sound.
And at that point it seemed to me, I don’t know, coming to that conclusion - that what was missing was sound - but how could I work with sound? Because I thought about it from a visual standpoint at that time. My background is in Public Communication and Design, and that’s something I studied because I didn’t know what else to study because I thought you had to draw to be an artist, and I never thought I could draw the way I would aspire to draw, and… Or the type of drawings I like and that attract me and catch my eye and dialogue with me.
So I studied design and publicity, and was always restless, wanting to make art. Once I graduated, since I was never able to access the UPI’s photography classes - they were always full - I started working in advertising for a year, and I decided I definitely wasn’t interested in doing that, and I went back to the University to study Interdisciplinary Studies - to study French translation, really.
I took the first class and decided that was the most boring thing in the world and that I wasn’t going to be able to do that, so I changed and I went into photography because Interdisciplinary Studies in photography had just come out at that time; and finally through that space I was able to take the photography classes in Fine Arts.
I started out in Communications and from there I moved to Fine Arts and as part of the photography prerequisites I had to take all of the drawing, sculpture, photography classes beforehand. So luckily I had to go through all of that and then I started working with photography but really, the two-dimensionality of photography still wasn’t what I really… I loved photography and I had always worked with it and my dad, you know, he was a photographer too. So that was always there, present, but there was like this search for more, and through the installation and through feminist artwork and like all of those references I learned about through art, then I started to more toward sculpture, to the installation and I think at that point I started to feel a need to, okay, there’s something else lacking here. And that was sound.
And basically the desire to incorporate sound in my work was… I’m pretty much self-taught. It’s like, I decide I want to work with video games, I’m going to learn how to do a video game. I decide I want to make sound. I’m going to learn how to make sound. And that’s basically the way it’s been. It’s like now I want to work with virtual reality, augmented reality, so I’m working and collaborating and giving virtual reality workshops and learning. So, basically it’s like, what in my work calls to me? Where is it going? What media do I need to work with? And then I go look for the way to do it. It’s like I have to produce it, I have to do it and I have to learn how to do it.
I think I started more the beginning perhaps from when one starts to work with sound and I took classes at school too, like we really started with the visual. So, we see and we put so much emphasis on seeing and what we see and we reinforce that. So I always believe that when one approaches sound, that always starts with the visual, from this sound represents such and such, this vocal sound, something else, and it’s super interesting because I’m always with my students like, don’t think, just put the sound together and it’s like, “Oh, this happened here,” and they create an entire science fiction story or whatever and I’m like, “It’s not about telling a story,” but it’s quite hard and I started that way, right. When I started my Masters I started working with sound. Start with what you know. And then you start to imagine the sound editing because my background isn’t in music. Then you start to imagine sound editing almost like a story. So, this sound goes first and that leads you to another one, and then that leads you to another and this one comes in and this one goes out and it tells a story.
Over time I’ve moved away from that sound narrative and I place more emphasis on sound as the subject matter, which for me is where I believe that interest is rooted in my case. It’s the emphasis on… It’s the search, you know, and not on being super attentive to sound as matter. What does this mean at a micro level, micro sound particle? How do you fragment it, this sound, until it turns into something else? Because you come down to the smallest part of that sound fragment or to the frequency, which can be a single frequency that repeats and repeats and repeats and to me that’s the interesting part. It’s like distancing myself more and more from the narrative and keeping myself, coming much closer to sound as matter.
I think aesthetic enjoyment comes more from the experience and I believe this has more to do with it because my pieces are participatory, most of them, and they’re not installations. So it’s not a matter of sitting down to listen to a piece with a headset, but since the whole space can produce an experience, and really, just like odors, for me sound is really potent in terms of stimulating other senses and stirring up memories and feelings.
Really, sound is frequencies that travel and affect our body physically and I always say that sound can be used for good or for bad. You can make sonic weapons just as you can produce pleasing sounds that evoke happiness and ecstasy, but you can produce sonic weapons that make you vomit and get dizzy and faint. So in that respect, for me more than… it’s not necessarily a visual aesthetic, but there’s an element of provoking a sensation and how you feel in that space.
Itinerarios Sonoros is a Calle Loiza, Inc. and Radio San Juan production sponsored by Fundación Puertorriqueña de las Humanidades. Produced and directed by Lydia Platón Lázaro and Mariana Reyes with the collaboration of Priya Parrotta, Nalini Natarajan and Juan Otero Garabís. Technical direction was by Ezequiel Rodriguez Andino, Ambar Suarez Cubillé, and Julio Albino.